低饱和摄影后期

1.如何摇拍

摇拍是一种拍摄移动中被摄体的技法。其特点是把摄影重点放在了静态的部分，以摇动镜头的方式跟随被摄体，表现其速度感。要使用此种拍摄技法，需要把相机设置到快门优先的模式上，然后使用较慢的快门速度，一般采用1/30s或者1/60s。相机要紧随被摄体，跟随其运动而移动，达到被摄体清晰，背景模糊的效果。当然采用连拍的模式捕捉更锐利的照片的机会更大。

2.在斜坡上如何放置三脚架

如果在斜坡上用三脚架辅助拍摄，有一个方法可以让相机远离突发危险。如果我们是在一块岩石或者小山上的斜坡上拍摄，让三脚架的一条腿对着自己，这样的话，三脚架的三条腿就可以稳定地支撑住相机，防止坠落。

3.如何避免曝光不足

摄影者在拍照时经常会曝光不足，打开闪光灯拍摄又怕会过亮，牺牲了现场环境的自然光线。遇到此种情况，最佳方法就是利用相机的曝光补偿功能。只要将曝光补偿功能推高一至两级，一般偏暗的情况就会有所改善。

4.如何先对焦后构图

先将画面中央的对焦点对准想拍摄的人物面部，半按快门按钮完成对焦及测光程序，按着快门按钮不放，横向移动相机重新构图。

5.光圈优先有什么用途

数码单反相机往往带有较大光圈数的镜头，在自动模式下相机的程序也倾向于使用较大的光圈以缩短快门时间，减少因震动而造成的不良拍摄效果。但是，相机镜头一般是在从最大光圈收缩两级左右时拍摄的图像效果最好，所以如果要拍摄高质量的图像，可以使用光圈优先自动曝光，把光圈从最大往下调小一些。另外，大光圈可以实现小景深，这有利于突出主体。

6.如何避免眩光

直接拍摄太阳，会在镜头内产生眩光，从而使画面的反差严重失调，同时会产生入射光线被镜头表面反射到CCD上而形成光斑线条。高质量的遮光罩有助于限制眩光，同时使用最小光圈可减少这些光斑。

7.如何使灯光产生星状效果

要想使灯光产生星星的效果，那么摄影者就需要使用小光圈来进行曝光，光圈越小，效果越明显。

8.如何保护相机

为了保护好数码相机和电池，我们尽量不要在过高或过低的温度下使用数码单反相机，千万不要长达几个小时地将自己的相机直接地**在阳光下，拍摄时避免镜头直对阳光以免损伤CCD板。

如果不得不**在阳光下，那么你可以用一块浅颜色的毛巾或是反光材料将相机遮盖着。尽量避免在雨天雪天拍摄，如要拍摄要妥善防护避免在低温下长时间拍摄，防止机器老化。寒冷的冬天从室外进入室内机器容易结露，像人带的眼镜一样。

正确的方法是放罩在密封的塑料袋中，待机器与室内温度一致时再取出。拍摄完毕保存时一定要卸下电池。保存时放置在干燥地方避免机器受潮。

9.如何优化图像质量

数码单反相机的图像格式可以选择JPEG也可以选择RAW格式，RAW格式对于后期制作是非常有利的。另外，RAW格式的画面不会经过相机的自动调整，其质量会更优质一些。当然，摄影者可以通过设置饱和度、反差、锐度等来调节画面细节，使画面质量更好。

10.什么是B门

B门就是能够让你进行长时间曝光的模式。它的曝光时间就是从你按下快门到释放快门的那段时间。在使用B门过程中，最好使用三脚架和快门线。

11.包围曝光补偿有什么作用

采用不同的曝光量连续拍摄3张以上的照片，用以找到最合适的曝光量。

12.什么是高光警告

显示拍摄信息时，图像中曝光过度的区域会闪烁，要获得曝光过度区域更多图像细节，应将曝光补偿向负方向调整，然后在拍摄。

13.什么是偏振镜

最常用、最有价值的滤光镜，可以加深蓝天的色调，可以消除眩光和反射光。

14.如何表现主体的大小

从摄影作品中很难直接判断出一个物体的实际大小的。辽阔的大海可能在画面上只是一条水平线，而较小的物体，甚至肉眼看不见的物体，在画面上可占据很大面积。这时候就可以通过对比的手法来表现。物体体积大小的对比，一方面可以从对比中了解要表现物体的实际大小；另一方面可以通过夸张变形表达一定的思想情感。

为了真实地表现主体的大小，在拍摄中需要有一个陪体，作为参照物。一般是以日常生活中人们熟悉、了解其大小的物体作为比较对象。这样，不仅突出了主体还使观众对主体的实际大小留下深刻的印象。

15.如何设置地平线

摄影者在拍摄过程中，要恰当的安排地平线的位置。一般拍摄草原等风景时，地平线都安排在画面的三分之一处。另外，在拍摄海景的时候，地平线的位置决定画面的意义。如果地平线在画面下方三分之一处时，则体现大海的悠远；如果在上方三分之一处时，则表现大海的博大情怀。

16.顺光有什么作用

顺光在拍摄人像时，能够使人物脸部受光均匀，减少瑕疵感。但是顺光照明是效果最平的一种光，它不利于拍出被摄体的立体感和空间深度感，缺少生气。

17.侧光有什么作用

侧光照明效果有明显改善，被摄体能够产生明暗变化，显出立体感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所以，在摄影中被广泛的利用。

18.逆光有什么作用

逆光照明它能够勾画出对象的形状，使之与背景分开。在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。

19.如何防止相机晃动

在外拍摄时，最好是携带三脚架。如果没有三脚架，摄影者可以把身体倚在墙上，或者是把手靠在栏杆上来保持相机的平衡。

20.俯拍有什么好处

俯拍就是照相机高于被摄体向下拍摄。这个角度就好像登高望远一样，眼下由近至远的景物在画面上由下至上能充分平展开来。有利于表现地平面上的景物层次、数量、位置等等，能够给人一种辽阔、深远的感受。

21.仰拍有什么好处

仰摄指的是照相机低于被摄对象向上拍摄。有利于突出被摄体高大的气势，能够将树这样的向上生长的景物在画面上充分的展开。利用贴近地面的仰摄还能够用于夸张运动对象的腾空、跳跃等动作。仰拍人物的时候要注意的就是，脸部比较胖的人尽量不要这样拍。

22.平摄有什么作用

平摄指的是照相机和被摄体在同一个水平线上进行拍摄。这个时候的被摄对象不容易变形，特别是平摄人物活动的场面，使人感到平等、亲切。拍摄自然景物的时候，地平线的处理很重要。我们为了强调上下对称，可以把地平线放在中间的位置。但是一般情况下，应该避免地平线平均分割画面的情况，因为那样做的话，远景和近景将压缩在中间一条线上，画面平淡、呆板。

23.什么是伦勃朗用光

伦勃朗式用光技术是依靠强烈的侧光照明使被摄者脸部的任意一侧呈现出三角形的阴影。它可以把被摄者的脸部一分为二，而又使脸部的两侧看上去各不相同。如果用均匀的整体照明，就会使被摄者的脸部两侧显得一样了。

24.RAW格式用什么软件进行格式转换

数码单反相机的RAW格式可以利用光影魔术手、Photoshop等软件进行一定地处理与格式转换。

25.拍摄远处小物体如何对焦

当所要拍摄的对象距离较远，而不能将手放过去的时候，可以利用距离与拍摄对象相同的物体进行拍摄，这种强制对焦的方法也非常实用。

26.后期处理有什么作用

用户学会使用图像编辑工具。有时用相机拍摄的数字图像不是十分完美，但是，数字图像的优势就在于可以方便地进行后期加工，只要适当利用图像编辑工具软件，比如Photoshop等，就可以获取令人比较满意的图像文件。通过图像编辑工具软件的加工，可以使曝光不足的图像加亮、校正色彩、剪裁掉分散注意力的背景、覆盖住一些小的缺陷，比如：对人物主体脸部的缺陷进行修正。

27.使用数码单反相机如何省电

摄影者在拍摄过程中，尽量不用显示屏取景，用相机的小光学取景器。再者，尽量不用或尽量少用回放看拍过的照片。还有，不要总是对相机开关机，这样会加速电量的消耗。

28.如何使照片更清晰

对摄影来说，焦点清晰是基本的要求，但对于初学者来说，要求每张照片都能焦点清晰是有一定的难度。影响焦点清晰的因素很多，如果不能很好地掌握，就很难获得好的效果。

以下是几个保持焦点清晰的好办法，供初学者参考。

1.防止震动。震动会使照片中的影像晃动模糊，即使对焦十分准确，也会因此而影响结像的清晰度。

产生震动的原因一般有两个：一是照相机震动，即在按下快门时，照相机由于把持不稳而产生晃动。二是主体移动，也就是在镜头快门开启的瞬间，被摄主体自身处于运动状态，而快门时间不够短，没有凝固住动态，因此出现影像模糊的情况。要防止震动，必须对症下药，可以从三方面采取措施：

（1）将照相机装在三脚架上。如果受拍摄条件的限制，无法支撑三脚架，也可改用独脚架。

（2） 缩短快门时间（一般采用1/250秒），能减小照相机震动产生的影像晃动。

（3） 采用正确的持机方式。在不用三脚架的情况下，持机的姿势正确与否，会直接影响到照相机的稳定。要克服被摄主体自身的动态模糊，方法只有一种，那就是缩短快门时间。只要条件允许，快门时间越短效果越好。

2.不要片面追求小光圈。初学者认为小光圈会增加景深，一定会使影像清晰，因此，他们往往不分场合，把光圈收得很小，特别是在对焦没有把握时，更会相信小光圈能助其一臂之力。但是这样做的最后结果常常不理想，因为采用小光圈会导致快门时间的延长，并因此使照相机的震动产生足够的负面影响。所以，片面追求小光圈不是上策，正确的做法应是使用短时间快门和三脚架。

3.正确了解镜头的特性。不少人认为镜头的光圈用得越小，成像的清晰度就越大。这个看法并不正确。其实，镜头成像的最佳状态，在于将其最大光圈缩小2-3档后。如一只最大光圈为F2.8的镜头，当其光圈收至F5.6-F8时，成像最佳。

4.注意衬景与主体的关系。主体与衬景之间的色彩反差大小，会影响人们的视觉，在焦点不变的情况下，主体与衬景之间的反差大，影像看上去显得清晰度高；如果色彩反差小，影像看上去清晰度低。因此，要想使主体在画面中显得格外清晰，有意识地选择高反差衬景是很有效的。

29.如何取得效果不错的剪影照片

1. 充分展现剪影主题的形体特征，将形体与背景生动的结合在一起，可以说，形体是语言，背景是语调，而这种语言有时无声胜有声，任凭创作者去揣摩和体会，这也就是剪影照片的妙处所在。由于在剪影照片中，主体基本没有色彩和细节显示，所以对主题的形体特征要求就很高，这就需要作者基于后期表现的效果来仔细选择拍摄角度和主体形态，充分展示主题的外形特征，力求美感和生动。

2. 剪影照片的获得充分利用了主题与背景受光的差异。一般来说，我们可以利用日出日落时的逆光，因为这时的光线最柔和，看上去又不刺眼，是拍摄的好时机，一般只有十分钟左右的时间，另外可以利用室外和室内人工造成的受光差异或天空和水面的自然反射。

3. 曝光要遵循宁欠勿过的原则，依据背景的光亮部分进行点测光，这才能使主体曝光严重不足，形成强烈的剪影。

4. 当画面中被摄主体在画面中所占比例过小，或画面的空白空间比较单调时，可以创造性地运用剪影作为前景，通过黑色的剪影既可以压迫观众的视觉投向被摄主体，同时黑色剪影也不会分散观众的注意力。我们甚至可以运用以剪影作为主体的边框，形成方、圆或变异的各种形状，使平常的景物具有独特的画面形式感，增加画面的纵深感。

30.如何使用弱光进行拍摄

1. 合理光圈与ISO的搭配。摄影最基础的法则自然同样适用于弱光摄影，光圈越大，快门速度越高，ISO越低，照片质量越高，曝光时间越长，出现噪点的可能性更大；建议你采用F22光圈以获得最大景深；ISO则愈低愈好，以减少不必要的噪点，一般采用ISO 100。

2. 稳定的长时间曝光。弱光摄影最大的特点在于“漫长”的拍摄时间，你往往需要数秒、甚至数十秒来完成你的拍摄，因此，一支稳固的三角架必不可少；除此之外，快门线也可以有效减少按下快门时可能出现的抖动。

　　3. 环境试拍×3。将数码相机用三角架固定好，将ISO调整到100，光圈F22，按照5秒、10秒以及20秒各拍摄一张照片，从拍摄到的三张照片上获得对场景光线效果的准确判断——往往需要采用B门来获得如此长时间的曝光，根据三张试拍的结果来决定最终采用的曝光时间。

4. 永远采用RAW格式。在长时间曝光这种极端拍摄情况中，RAW格式提供的画质效果会大大高于JPEG格式，不要吝啬存储卡空间，对画质的执着才会带来最出色的照片。

5. 不断尝试，保持新鲜。弱光摄影的创造潜力非常，完全不必遵循固定的光圈、快门、ISO设置，不断尝试新的可能，利用不同的时间与光线完成作品。

31.�...

如何系统性的去分析、学习一个摄影师的照片风格，并将其融入自己的拍摄和后期过程中

本文将以2018年哈苏大师赛风光冠军Benjamin Everett的作品为例，和大家分享如何系统性的去分析、学习一个摄影师的照片风格，并将其融入自己的拍摄和后期过程中。

干货较长，阅读需20分钟，建议先分享+收藏。

1.内容分析/感受体验

对于一名成熟的摄影师，我们分析他作品的时候一定不要从色彩、构图、技术等等浅层表象上开始看，而首先要从摄影师的内容表达上着手（甚至先了解他的经历、流派、观念等等），从自身的感受和体会出发，才能统领全局、深入理解。

我在《风光摄影后期基础》中提到过，摄影作品分为四个层面：器材、技术、形式、内容。

其中“器材服务与技术，技术服务于形式，形式服务于内容，而不是本末倒置”。

我们只有理解了摄影师的内容是什么，想表达什么，才能真正明白他为什么要这样调色？为什么要那么构图？为什么要用某一类型的器材和技术？

那么什么是图片的内容呢？

内容就是图片记录了什么场景，描述了什么故事，传达了什么样的情绪、氛围、情感，表达了艺术家的什么想法、思考和世界观。

我们来大致的看一下Benjamin Everett的作品主页：https://bejamin.gallery 。不用一张一张的仔细观看，大致的感受一下即可。

Benjamin的摄影作品与数码合成作品，全部展现的是自然景观。内容以山水为主，很多照片融入了动物和人。观看他的作品，我会有一种自然飘逸、宁静致远的感受，好像有一种“天人合一”的境界。

虽然他的作品用的是当代西方的表现手法，后期数码设计的技术，但观看他作品集的时候，我却更多感受到一种古代中国的意境。

如果在它的主页里插入一张Max Rive和我的作品，或者是一张城市夜景风光，那一定会非常的突兀。

但如果你在它的作品集里面插入几张水墨画，或画的一位道长游逸与云雾之间，或画的一个和尚禅坐与竹林之中。你会觉得非常的和谐，虽然水墨画和Benjamin的作品在类型、时代、技术和表达手法上简直是天壤之别，但他们的精神内核是一样的，“形”异却“神”似。

我们再阅读一下艺术家自述，也就是它网站上的“About”页面：

“A keen interest in eastern Philosophy”，作者自己也说“我对东方哲学兴趣深厚”。作者自己是这么想的，作品也是利用各种视觉语言这么表达的，我们（特别是作为中国人）也能很容易的感受到。

只有理解了这个层面，你才能真正学习分析他的作品，为什么以单色/二元配色为主？为什么要减淡饱和度？为什么偏好中长焦镜头？为什么要在画面中选取这些元素？

古人云“物先大体”、“殊途同归”、“万变不离其宗”，理解了“道”，你才能理解作者的“术”，读懂作者风格中的视觉语言。

举个简单的例子，同样是“自然环境中的人”这种视觉表现手法，你会发现Benjamin的作品和我的作品带给你的感受是有区别的。

Benjamin作品：

Thomas看看世界作品：

同样是画中人，我们表达的东西却是有一定区别的。

我作为中国人，但是多年留学和旅行，深受登山、探险文化的影响，所以我画面中的人大多是来自画面世界之外的人，是一名“探险家”，从另一个地方来到画面中的世界，去“见证”宏伟壮观的自然景观。

Benjamin作为西方人，却深受东方哲学熏陶，所以他很多画面中的人走进了画面，甚至居住在画面中，人已经融入了画面，与风景交织在了一起，形成了“天人合一”的感受。

看懂了我们在思想哲学和表达内容上的差别，你不仅能理解我们“画中人”的不同，也能理解为什么我喜欢用广角镜头甚至全景拼接，而Benjamin擅长中长焦场景？为什么我的调色偏浓重，Benjamin偏清淡？为什么我的影调多低调魔幻，Benjamin的影调多高调自然。

后面的答案，我会继续从构图、影调、色彩、技术、器材等层面对Benjamin的风格进行分析。但是你要记住齐白石先生的一句话：“学我者生，似我者死”！

单单从构图、调色、技术上去临摹Benjamin，你只能做到“形”似，作品价值为0-20。

如果你去读一下老子、庄子，再模仿一下他的技术和色彩，那么你才能做到“形”似且“神”似，作品价值60左右，成为该风格的优秀代表。

如果你在深入学习东方哲学后，再利用别的视觉表达方法，做到神似形异。或者基于自身的生活体验，结合他的技术，达到神异形似。甚至只把他作为一种参考，神异形异。你才真正消化了Benjamin先生的作品，并开创了你自己的风格，作品价值90-100，像他那样独树一帜并斩获各类大奖。

2.构图

一张照片形式上的结构，可以大致分为：构图、影调和色彩三个部分。所以接下来，我会从这三个方面进行分析。关于什么是构图、影调和色彩，我这里就偷懒直接上我的《风光摄影后期基础》一书中的截图了。

Benjamin的作品大多使用中长焦拍摄（以及在该视角下进行数码合成），擅长大面积留白（或者细节少的纯色块），为的是减少画面中的景物构成，让氛围更加空灵、安静。

构图常用风光摄影师的：前景、中景、背景 三层法。

或者中景、背景 的长焦两层构图。

如果画面中有人、动物、突出植物这样的强烈兴趣点，大部分采用三分法放置，特别是背景复杂的画面。

如果画面有大面积留白，摄影师会更多把人物从三分位置往边缘偏移，以达到更具张力的视觉平衡。

什么时候用三分法，什么时候不用，需要根据主体情况和画面构成进行分析，这点我也在《风光摄影后期基础》中详细写明了：

虽然Benjamin主要是中长焦场景，但是你会发现他的照片非常的有层次感，这是因为他常用纵透视、遮挡和空气感来精妙的构造画面：

先理解什么是遮挡与纵透视：

再来看下Benjamin老兄的照片构图，是不是感觉到深深的套路？

下面这张除了遮挡、纵透视，还利用了空气感。

那什么是空气感：

举一反三才能融会贯通

最后当然也少不了西方摄影师惯用的线性透视：

例子太多了，这里随便截图几张都是他线性透视的实际应用：

3.影调

Benjamin的影调以没有纯黑和纯白的长调为主，高中低调都有，但中调偏多，整体对比度偏低，局部细节突出。如果不懂什么是高中低、长中短调，建议阅读《风光摄影后期基础》中的阐述：

注意没有纯黑和纯白这句话，也就是他主要还是用的亚当斯区域曝光法中的2-8区：

关于影调，大家去他的网站截图，然后用PS软件打开直方图分析即可。对于喜欢的摄影师，我常常把他们的作品截图下来，PS打开分析直方图，甚至用吸管详细分析他的调色模式。

4.色调

一张作品的氛围，很大程度上是他的主色调赋予的，一张蓝色和一张绿色的照片，一张单色和一张多色的照片，一张高饱和和一张低饱和的照片，给人带来的感受是完全不一样的。

Benjamin的作品大部分都只有1-2种颜色（注意这里和后面我们谈颜色和搭配时，都排除了黑白灰的中性色彩），主色调突出，所以画面的情绪感很好。

Benjamin的调色基本上都是低饱和度。高饱和热烈，低饱和宁静，要表现东方韵味，当然是低饱和度为主，这点很好理解。

其色彩搭配一般就是3种模式：

1）单色搭配（只有1种颜色时）

2）互补色/冷暖色（只有2种颜色时）

3）相似色搭配（2-3种颜色时）

单色搭配：

Benjamin单色搭配案例：

互补色/冷暖色：

Benjamin互补色/冷暖色案例：

相似色搭配：

Benjamin相似色案例：

色彩的奥妙体现在画面中每一个细节的统一和刻画，为什么下面两张照片，一张人穿的是橙色衣服？一张人穿的是青色衣服？都是很有讲究的。

上图人选择橙色，首先是为了统一色调，和天空的橙色呼应。其次是为了不同，利用互补色把人从周围的青色环境中分离出来。下图也是同理。

整体统一而局部不同，是摄影后期细节刻画的核心思想之一。

5.技术

技术服务于形式，具体用的哪种技术并不重要，最重要的是为什么要这么做，要达到哪种效果。这里只简单的解释Benjamin用到的一种技术：加深减淡技术对细节的刻画。

再看一下Benjamin那些细节感强的照片，石头纹理清晰、远山层层突出，都是加深减淡工具慢慢刻画的啊（也有可能是用曲线结合选区蒙版，亮度蒙版结合中灰叠加图层等等其他技术刻画的。但具体的技术不重要，效果最重要）

加深减淡需要多细致，看看下图的局部就知道了：

每一次提亮，每一次压暗都是有他的道理的。

6.总结

我们分析一张照片或者一个摄影师的风格，应该从 “内容 - 形式 - 技术 - 器材”的顺序层层分析，不要一来就问“你用的什么镜头？”、“老师能透露下滤镜参数吗？”、“如何模仿这种调色？”，而是先感受和思考“作者展示了什么？表达了什么？”

我们进一步分析照片形式的时候，可以从影调、色彩、构图三个角度，从全局到细节，又慢慢的分析。

有时一张照片的计划、拍摄和后期需要花费数小时、数天甚至更长的时间，照片里一个小石头的摆放、色彩和明暗都有摄影师的深思熟虑，你看的越仔细，想的越深入，才能真正品味和学习一张照片。

一幅好相片要能吸引人的眼球，要能让人眼前一亮，为此咱们不只需前期花心思规划构图，更要在后期进一步提高它。

本篇文章就来简单说一下拍摄后期处理中一个主要的概念——饱满度。旨在让刚刚触摸拍摄的人了解一下啥是饱满度，以及饱满度在后期中发挥啥作用。

饱满度是啥？

饱满度是指色彩的纯度，是色彩的三大要素之一，三大要素决议了一个色彩的各种改变。饱满度越高，其色彩就越浓郁，越低就惨白。

左图饱满度高色彩浓郁 右图饱满度低色彩惨白

饱满度凹凸与人的视觉感触

一张相片色彩的饱满度越高就越能导致我们的留意，可是要留意过高的饱满度会导致我们的恶感。

饱满度较高

饱满度低的相片看起来会让人有安静 舒服的感受，可是过低的饱满度又会让人觉得会毛毛的，发生一种抵触情绪。

饱满度较低

饱满度东西

后期调整中咱们能够运用饱满度调整东西对相片的色彩进行调整，当咱们提高相片饱满度的时分，整个画面就会变得更

加鲜艳，但假如把饱满度调得过高的话就会呈现色彩溢呈景象，简单丢失细节。

饱满度导致的画面改变

当咱们下降饱满度的数值时，画面会变得愈加偏灰，假如咱们将数值降至最低，画面会成为是非相片。例如上图中，我

们将饱满度将至-100时，画面就成为是非相片了。

当咱们下降饱满度的时分，画面的色彩就会变淡，咱们在调一些日系小新鲜的时分能够运用这个东西来添加画面通透

感，可是假如咱们把数值调的太低，会把画面的色彩悉数剥夺，只剩下是非。

天然饱满度

在后期的图像处理中有两个东西十分相似和度东西和天然饱满度东西，作用也差不多，要说两者之间有啥不一样的话那即是天然饱满度必饱满度愈加“收敛”不会让咱们肆意妄为。

具体来说即是天然饱满度会维护饱满度高的当地，在数值调整过程中并非全体一样增幅，饱满度高的当地增幅较少，必定程度上避免色彩溢出。

而饱满度调整则是不论不顾，咱们怎样调它就怎样增幅，相对而言，天然饱满度更适合菜鸟。

天然饱满度导致的画面改变

饱满度的应用

1、增强画面体现力

在不思考光线的作用下，咱们运用单反拍出来的相片不论怎样样色彩是平平无奇。这也是为啥没有处理过得相片咱们

会觉得沉闷不好看最直观的因素。许多时分咱们只需略微添加一点饱满度，整张相片就会如同活过来一下，然后让相片

有更强的体现力。

饱满度提高与否两张相片的体现力差许多。

2、削弱色彩攻击性

上面咱们就有说过，饱满度过高的相片会让人觉得恶感，这是由于这张相片的攻击性太强了，画面看起来显得十分沉重，这个时分咱们就恰当下降一些饱满度，改变相片的全体色彩，让相片变得通透。

3、是非相片

把饱满度降到最低。就会把相片成为是非，在一些相片中是非反而比五颜六色更有视觉冲击力。

4、部分色彩

部分色彩作用能够参看HSL、笔刷东西等章节，经过让画面构成高饱满和低饱满并存的作用，能够非常好的增强画面的视觉体现力。

咱们能够经过的调整把周围的色彩悉数去掉，直流下相片主体的色彩，这种激烈的反差能十分好的体现主体，为咱们带来激烈的视觉冲击。

对于饱满度的问题就提到这里有啥问题或主张期待我们留言。

儿子在公园疯了一上午，浑身是汗，拉着我的手很认真的跟我说，爸爸你好好赚钱，将来给我买个大大的房子，在房间里建一个这么大的公园，装上空调，这样我就不会热了! 对不起儿子，爸爸耳朵不好，什么都没听见。。。

一幅好相片要能吸引人的眼球，要能让人眼前一亮，为此咱们不只需前期花心思规划构图，更要在后期进一步提高它。

本篇文章就来简单说一下拍摄后期处理中一个主要的概念——饱满度。旨在让刚刚触摸拍摄的人了解一下啥是饱满度，以及饱满度在后期中发挥啥作用。

饱满度是啥？

饱满度是指色彩的纯度，是色彩的三大要素之一，三大要素决议了一个色彩的各种改变。饱满度越高，其色彩就越浓郁，越低就惨白。

左图饱满度高色彩浓郁 右图饱满度低色彩惨白

饱满度凹凸与人的视觉感触

一张相片色彩的饱满度越高就越能导致我们的留意，可是要留意过高的饱满度会导致我们的恶感。

饱满度较高

饱满度低的相片看起来会让人有安静 舒服的感受，可是过低的饱满度又会让人觉得会毛毛的，发生一种抵触情绪。

饱满度较低

饱满度东西

后期调整中咱们能够运用饱满度调整东西对相片的色彩进行调整，当咱们提高相片饱满度的时分，整个画面就会变得更

加鲜艳，但假如把饱满度调得过高的话就会呈现色彩溢呈景象，简单丢失细节。

饱满度导致的画面改变

当咱们下降饱满度的数值时，画面会变得愈加偏灰，假如咱们将数值降至最低，画面会成为是非相片。例如上图中，我

们将饱满度将至-100时，画面就成为是非相片了。

当咱们下降饱满度的时分，画面的色彩就会变淡，咱们在调一些日系小新鲜的时分能够运用这个东西来添加画面通透

感，可是假如咱们把数值调的太低，会把画面的色彩悉数剥夺，只剩下是非。

天然饱满度

在后期的图像处理中有两个东西十分相似和度东西和天然饱满度东西，作用也差不多，要说两者之间有啥不一样的话那即是天然饱满度必饱满度愈加“收敛”不会让咱们肆意妄为。

具体来说即是天然饱满度会维护饱满度高的当地，在数值调整过程中并非全体一样增幅，饱满度高的当地增幅较少，必定程度上避免色彩溢出。

而饱满度调整则是不论不顾，咱们怎样调它就怎样增幅，相对而言，天然饱满度更适合菜鸟。

天然饱满度导致的画面改变

饱满度的应用

1、增强画面体现力

在不思考光线的作用下，咱们运用单反拍出来的相片不论怎样样色彩是平平无奇。这也是为啥没有处理过得相片咱们

会觉得沉闷不好看最直观的因素。许多时分咱们只需略微添加一点饱满度，整张相片就会如同活过来一下，然后让相片

有更强的体现力。

饱满度提高与否两张相片的体现力差许多。

2、削弱色彩攻击性

上面咱们就有说过，饱满度过高的相片会让人觉得恶感，这是由于这张相片的攻击性太强了，画面看起来显得十分沉重，这个时分咱们就恰当下降一些饱满度，改变相片的全体色彩，让相片变得通透。

3、是非相片

把饱满度降到最低。就会把相片成为是非，在一些相片中是非反而比五颜六色更有视觉冲击力。

4、部分色彩

部分色彩作用能够参看HSL、笔刷东西等章节，经过让画面构成高饱满和低饱满并存的作用，能够非常好的增强画面的视觉体现力。

咱们能够经过的调整把周围的色彩悉数去掉，直流下相片主体的色彩，这种激烈的反差能十分好的体现主体，为咱们带来激烈的视觉冲击。

对于饱满度的问题就提到这里有啥问题或主张期待我们留言。

儿子在公园疯了一上午，浑身是汗，拉着我的手很认真的跟我说，爸爸你好好赚钱，将来给我买个大大的房子，在房间里建一个这么大的公园，装上空调，这样我就不会热了! 对不起儿子，爸爸耳朵不好，什么都没听见。。。